David Jaffe (the father of “Twisted Metal” and “God of War”) have just lost his mind over a prom picture. And shortly after that Jaffe went on apologizing for his own creations via social media…So this would be my (Robin Ek, TGG) take on that matter.

If you’re not already considering checking out Uncharted 4, Andrew Reiner’s recommendation and review should go a long way toward changing your mind. Naughty Dog has crafted a fitting send-off for Nathan Drake and company, and series faithful in particular are likely to find a lot to love. But for me, Uncharted 4 is more than the closing chapter to a long-running franchise I enjoy; it’s also a new benchmark for the way games can communicate narrative. In most cases, the storytelling techniques employed by Naught Dog aren’t new. These are the same tools that every developer uses to express narrative. But it’s the sheer variety and comprehensiveness of this team’s work that makes Uncharted 4 a master class in the art.  

I’ve written before about the line I draw between story and world-building, but there’s a subtler distinction within the world of narrative craft, and it’s the one between storytelling and story. A game’s story is the sum total of its characters, events, and themes; it’s the finished building that you examine after its completion. Meanwhile, storytelling is the work you undertake to construct that building, the way dialogue, character actions, visual stimuli, audio cues, artistic presentation, and setting all come together to communicate meaning along the way. And it’s through that very active feat of storytelling that Uncharted 4 sets a new high bar for the gaming medium. 

Storytelling in games is often different than in other disciplines, and that’s because of player agency. If a player doesn’t feel some sense that his or her actions affect narrative flow, the interactive fantasy is lost. Naughty Dog has long expressed a special talent for recognizing that agency, and giving players clear feedback about how the little things they do in the game shape and change the in-game world. In Uncharted 4, it feels like the team has taken a step forward, and it’s largely thanks to the integration of the game’s many technical and artistic elements into a unified whole. 

The animation and art team deserve a large portion of the credit. Moving Nathan Drake through the world, you can’t escape the ways he feels grounded and real within whatever place he finds himself. Swing across a gap on a rope, and you see the rope wind its way back up onto his belt afterward, rather than magically reappear. Climb into a jeep from the passenger side, and you see the front-seat passenger lean back to make room. Move along a rain-slick rock when your character is hurt and exhausted, and his steps are careful and uncertain. It’s the sheer variety and number of these animations (and the character art behind them) that astound, and provide a powerful immersion in the setting. 

Presence in the setting is reinforced by breathtaking environmental art and camera work. Time and again, Naughty Dog uses color, light, and an astoundingly large collection of in-game art to keep the visual palette fresh and ever-changing. Weather (not so subtly) reflects character emotions and tension, and environmental shape, contour, and props back it up, like sharp, angled rocks at moments of stress, or the casual detritus of a cluttered house to remind us of home. And as we move through these immaculately crafted spaces, the camera has an uncanny ability to pan, zoom, and tilt in such a way that these emotions are bolstered, and perhaps more importantly, the path forward is made apparent. 

Dialogue, sound effects, and music are equally responsible for the sense of presence in the world. Character banter stops and starts up again in a seamless fashion at important moments of discovery, with recorded passages to reflect the break in the flow. Music swells into exciting battle moments, and then shifts tonality and melody when the foes lose sight of you. A thrilling chase scene is punctuated by explosions and shouting, only to be followed moments later by an emotional relationship scene that strips away the raucous music and effects to focus on the interpersonal conflict. The sense is that of a well-realized cinematic script, but one that is responding to the actions the player takes.

People often think about storytelling as the province of the game’s writers, but Naughty Dog recognizes that the best storytelling is an integration of all a game’s many facets, all in service to narrative. The writing team for Uncharted 4 establishes the central beats that are required both for character development and pacing, but it’s clear that message doesn’t stay isolated to the writer’s room, and is instead broadcast to the rest of the team. A new character is given space at the start to become important to the player, rather than having the player simply be told that it’s time to care about them. Puzzle rooms are often followed by harrowing gunfights, with acknowledgment that those pace changes keep excitement high. The endless march of plot development is occasionally put on hold, and we get a scene where two brothers sit side by side to reminisce and consider how their lives might have been different under other circumstances. In each case, the natural dialogue and attention to character motivations form the bones of a scene, and the gameplay, visuals, and sound work to support the effort.

For anyone who knows the reality of game development, the detail and variety of art, sound, animation, and writing on display in Uncharted 4 is a testament to the huge investment of time and money that this kind of project takes. As you play, take a step back from the excitement of collapsing buildings and frenetic gunfights, and even away from the plot itself, and admire one of gaming’s most talented developers working in perfect coordination to tell one more tale with this charming treasure hunter. In game storytelling, it’s the many little things working in tandem that engages the player, and Uncharted 4 is a template for how to do it right. 

Fernando Katayama

Da Redação

Atenção, jogadores! Vivo, Oi e NET estão se juntando para explorar uma brecha na legislação brasileira a fim de elevar – e muito – os preços da banda larga em nosso país. A ideia das operadoras, uma vez proibidas por lei de fazerem cobranças por tipo de franquia, é tentar pelo menos empurrar goela abaixo um tipo de contratação mais cara por aqueles que utilizam mais banda, que consomem mais dados, caso, por exemplo, dos jogadores.

Faça as contas. Um jogo razoável hoje em dia para consoles de última geração ou PC pode pedir facilmente 20 GB de download só para começar a ser jogado. Alguns, mais hardcores ainda, podem chegar a 60, 70 GB, brincando… Agora, o absurdo: as principais operadoras atuantes no país pretendem fixar, a partir de 2017, uma cota entre 100 e 200 GB para franquias mais bem servidas. Em outras palavras, é certo que os preços desses pacotes mais tops devem subir bastante enquanto a oferta de dados deve se manter insuficiente para quem precisa de muita banda, como, novamente falando, nós jogadores.

Com os números acima em mente, imagine a cena: você entra em um Steam ou Origin da vida e baixa uns quatro jogos parrudos. Já era. Acabou a sua franquia top de linha, tão cara e cheia de promessas. A ameaça das operadoras, caso vençam, é poder cortar o link de quem ultrapassa a cota estabelecida ou até exigir um pagamento “extra” por aqueles que quiserem continuar navegando.

O argumento da Anatel, que até agora tem se mostrado a favor das operadoras, é o de que a medida vai beneficiar quem consome menos banda. Nessa faixa de consumidores “light”, estariam os que puxam até 10 ou 20 GB por mês, mais ou menos. Em sã consciência, pensemos: quem, por mais econômico que seja, sobrevive hoje em dia com 10 GB em 30 dias…? Quem, por menos séries ou filmes que sejam assistidos, consegue se divertir com uma cota dessas? Quem, por menos hardcore que seja, vai conseguir seguir a recomendação de médicos e psicólogos para ligar um Netflix da vida por no máximo 30 minutinhos por dia? O que então podemos dizer de nós, jogadores? Uma só partidinha on-line, bem jogada que seja, pode consumir 200 MB (0,2 GB) em 1 hora. Se o lance for passar uma noitada jogando sem parar, eleve esse valor para 2 GB. Tem condições?

Na prática, o que vai ocorrer é que muitos jogadores poderão ter a conexão interrompida no meio de uma partida. Se não for isso, a resposta virá na forma de uma redução drástica na velocidade. Em nossa defesa, o Marco Civil, por exemplo, deixa claro que uma operadora só pode cortar a conexão de alguém que não tenha pago a conta. Já a Associação Brasileira de Defesa do Consumidor taxa essa manobra das operadoras de ilegal.

A verdade é que enquanto a Anatel se mantém reticente diante desse plano nefasto, os consumidores já saíram perdendo. Todos, inclusive aqueles que o órgão diz defender, pelo seguinte fato: quem consome menos dificilmente pagará mais barato por uma franquia mais modesta. Os preços, quando o assunto começa a se aproximar do termo “plano de dados” – algo já enraizado na telefonia celular -, só aumentam. O que vai acontecer, portanto, não é os planos mais modestos ficarem mais baratos, e sim os mais hardcores ficarem mais caros, caríssimos, astronomicamente inviáveis.

Justificativas por parte das operadoras para elevar os preços não vão faltar. Uma delas já está sendo colocada em discurso: em nome dos mais pobres, dos que não têm condições de consumir muita banda, aqueles que consomem mais vão ter que pagar mais. Só que esse “mais”, caso as operadoras vençam, não vai significar “à vontade”, que fique bem claro. Algo em torno de duas centenas de gigabytes deixando mais evidente, com taxas e mais taxas extras para quem puder pagar cada vez mais pelo excedente.

A provocação é: vai faltar internet para os ricos caso as operadoras vençam? Não. Assim como para um rico não falta nada em quaisquer outras áreas, por que faltaria em internet? Pagando bem, que corte tem? Pagando bem, que mané franquia…

Só que assim: que atire a primeira pedra o rico que gosta de perder dinheiro. Perder por perder mesmo. Desagradável, correto? Aos mais ricos, o aviso de que chegou uma boa hora para se juntar aos mais pobres por uma terra que não nasceu para aceitar divisões e desigualdades: a internet. Vamos esquecer as diferenças pelo menos nesse lugar onde sonhar ainda é possível?

Assinemos todos as petições:

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VEJA TAMBÉM:

>>> O Marco Civil da Internet e os macacos da web

Embora esse assunto já tenha sido muito discutido ao longo dos anos, ele insiste em permanecer na mente de muitas pessoas e inclusive na mídia. As definições de arte vêm mudando constantemente ao passar dos séculos, pois é um modelo que vai muito além de pinturas ou esculturas, já vimos isso provar-se diversas vezes na história humana, porém nem todo mundo aceita o que é arte e se prende a conceitos antigos e senso comum.

O debate sobre jogos eletrônicos e arte gera opiniões divergentes até dentro da própria indústria, na qual uns consideram ser e outros tem a sua própria definição. O criador de Metal Gear Solid, Hideo Kojima, diz que jogos são uma forma de serviço e não os considera uma forma de arte, o que é quase contraditório vindo de um produtor que coloca várias influências cinematográficas em seus jogos.

Arte pode ser também definida através da etimologia da palavra, que vem do latim ars e significa técnica ou habilidade. Através da origem da palavra, entende-se que há diversas outras formas de trabalhos que ainda não foram consideradas uma habilidade artística.

Na antiguidade clássica, Platão definiu arte como a expressão da capacidade de criação humana em que se use a inteligência. Já Aristóteles disse que arte é uma obra produzida de forma racional em que o indivíduo a faça intencionalmente. Partindo desse princípio, a criação de jogos se enquadra muito bem nas definições dos dois filósofos, apesar de não serem conceitos que usamos por toda a vida.

No desenvolvimento de um jogo não há apenas habilidade ou capacidade de criação, mas também nos apresenta as emoções dos artistas envolvidos em seu processo criativo. No início do século XX houve um movimento artístico chamado expressionismo, que objetivava a expressão das emoções e dos sentimentos dos autores em sua obra. Braid é um grande exemplo sobre a expressão emocional do artista em sua produção, trazendo uma história moral de arrependimento e seu criador, Jonathan Blow, diz que é muito importante a comunicação com o jogador para mostrá-lo o objetivo por trás do produto final.

A discussão é levada até para dentro da comunidade dos jogadores. Alguns argumentam que jogos artísticos são Okami, Shadow of the Colossus, Final Fantasy VII ou qualquer outro produto que os tenham marcado de uma maneira estética e um ótimo conjunto de quesitos técnicos, porém não existe uma definição concreta que especifique quais jogos que são arte e os que não são. Space Invaders é uma obra artística tanto quanto Quantum Break, pois ambos possuem várias ideias e conceitos sobre arte.

A definição de arte é relativa e muito se discutiu ao longo da história humana. Jogos são arte, como também são uma forma entretenimento e uma maneira de adquirir conhecimento. No final, o que importa é a diversão e o que aprendemos com as obras dessa indústria que cresce absurdamente a cada dia.